Home-theater-designers
A Idade de Ouro da Animação nos trouxe um tesouro de clássicos estimados, muitos nas mãos dos Nove Homens Velhos da Disney.
Como esse coletivo de artistas revolucionou toda uma indústria? Muitos dirão que tudo começou com um mouse, mas sabemos melhor. O verdadeiro segredo deles foi um manifesto criativo delineando os 12 ingredientes que fazem uma grande animação.
Esses 12 princípios atemporais são tão relevantes hoje quanto eram na época de sua concepção.
1. Squash e alongamento
Os animadores não têm como transmitir as propriedades físicas de um personagem ou objeto a não ser por meio de dicas visuais na tela. Muitos animadores dirão que uma boa animação tem menos a ver com o design e os maneirismos de seus personagens, e mais a ver com a forma como suas personalidades e aparências são reativas ao que está acontecendo ao seu redor.
Esmagar e esticar ambos vinculam-se à tendência da animação de 'cartoonificar' a realidade. O movimento 'natural' da bola quicando no solo é exagerado pela 'reação exagerada' da bola à barreira.
2. Antecipação
Você está animando uma cena que ocorre em uma piscina pública. Seu protagonista, um manso aluno do ensino médio, está prestes a pular do mergulho alto pela primeira vez. Provavelmente, esse garoto tímido não está prestes a apenas dar uma enterrada sem se preparar emocionalmente primeiro. Todas essas considerações antecipatórias adicionam uma riqueza distinta ao seu mundo.
Seus personagens agora são, de repente, muito mais do que autômatos genéricos povoando a cena. Eles sabem coisas. Eles sentem coisas. Eles evitam a dor e gravitam em torno daquilo que os agrada.
Este princípio, em muitos aspectos, tem muito mais a ver com a habilidade do animador como contador de histórias do que qualquer outra coisa. A chave para a antecipação está realmente em como a ação é escrita.
3. Estadiamento
Mise-en-scène é um termo no mundo dos filmes de ação ao vivo. Refere-se à orquestração de elementos na tela e à maneira como o autor usa esse espaço para transmitir seu ponto de vista. A mesma consideração continua espiritualmente aqui.
Elaborar a geografia do quadro com propósito permite orientar o olhar do espectador, mantendo sua atenção exatamente onde você deseja. Tudo precisa ser expresso de forma clara, deliberada e de uma maneira que eles possam reter para mais tarde.
4. Pose to Pose vs. Animação Straight Ahead
Escolher entre pose para animação será uma das primeiras decisões técnicas que você precisará tomar antes de começar a entender as coisas. Essa dicotomia representa duas escolas distintas de pensamento.
O artista ou traça seu curso com antecedência, destino por destino, ou simplesmente começa da estaca zero, explorando a ação que deseja registrar no papel sem restrições.
Pose to Pose Animation
Digamos que você esteja animando uma mulher pendurando roupas em um varal, por exemplo. Na realidade, não há delineamentos claros e organizados que dividam essa sequência em porções.
Um animador que aplica uma abordagem de pose para pose pode começar com um quadro da mulher se agachando para pegar uma camisa. A próxima pose pode ser ela em pé com a camisa estendida à sua frente.
As poses são adicionadas até que toda a roupa seja lavada e ela tenha se retirado para passar a tarde. Você desenhou apenas cinco ou seis quadros, mas a cena já foi criada até certo ponto.
A animação de pose para pose é uma ótima maneira de trabalhar se você gosta de saber o que está por vir antes de partir. Esses primeiros quadros são conhecidos como quadros-chave. Tradicionalmente, esses quadros seriam desenhados pelos membros mais experientes de uma equipe de animação.
Depois que toda a produção foi mapeada, os assistentes de nível júnior preencheram os espaços em branco entre cada quadro-chave para ligar esses marcos à ação.
Animação Straight Ahead
Levar seu personagem do ponto A ao ponto B de maneira direta às vezes lhe dará ideias novas e inesperadas. Conforme você desenha, faíscas de criatividade podem revitalizar a ação que pode parecer enlatada ou mecânica se for desenhada pose para pose.
Você está livre para improvisar e dar uma ou duas novas voltas à medida que avança; você nunca precisa se preocupar em atender a algo específico em 20 ou 30 quadros. Se estiver animando com música, você pode marcar cada quadro em que a batida da música cai para coordenar a animação e dar-lhe uma estrutura rítmica.
melhores jogos vr grátis para Android
Relacionado: Os melhores aplicativos de desenho e pintura para Android
5. Ação sobreposta e ação subsequente
Quando as pessoas se movem naturalmente, o peso de seus membros e a flexibilidade com que se relacionam com o tronco de seu corpo ficam imediatamente aparentes. Imitar esse efeito tem menos a ver com a criação de ação e mais a ver com a maneira como o alvo reage fisicamente após a ação ter ocorrido.
Sem esses floreios adicionais, os objetos ou personagens que você desenha podem parecer rígidos e sem vida. Se o cabelo de uma mulher bonita é mais claro que o ar, ele deve flutuar ao redor dela enquanto ela se move, em vez de ficar pendurado como espaguete molhado. Ou pior: não se mexendo enquanto ela se move elegantemente pela sala.
6. Tempo
Como um contador de histórias, desenvolver um senso de tempo eficaz não apenas fará seu trabalho parecer e se sentir melhor, mas tornará sua história mais coerente, mais impactante e provavelmente muito mais fácil para seu público digerir.
Esta categoria pode ser interpretada de forma ampla. Os atributos físicos de cada elemento da tela devem ser caracterizados pelo tempo de seu movimento.
Também é importante considerar o quão afinado está seu senso de timing dramático ou cômico. Você não pode dar ao seu público mais do que eles podem mastigar de uma vez. Por outro lado, você também deseja evitar entediá-los até a submissão com uma moldura sem brilho ou ar morto. O equilíbrio é a chave. Envolva-os sem sobrecarregá-los ou confundi-los.
7. Arco
Imagine uma criança jogando uma bola direto para o ar. Quando a bola volta a cair, ela cai para a frente, de acordo com a direção em que foi lançada.
Depois que a bola pousar, dar um passo para trás e traçar seu caminho no ar revelará uma curva de cabeça para baixo. Objetos limitados pela gravidade viajam em arcos como esses sempre que seu movimento desafia as leis da natureza. Manter essa tendência em mente permitirá que você planeje padrões de movimento que vendem.
8. Ação Secundária
O léxico do animador é repleto de pistas subconscientes sutis. Ao filmar em um contexto de live-action, o vestido da protagonista balança sobre as panturrilhas conforme ela se move. Esta ação secundária é emocionante para o espectador. Isso mantém as coisas em movimento.
A ação secundária também pode incluir pistas emocionais. Seu personagem mexe com os polegares enquanto tenta explicar uma situação incomum a um amigo. Eles se emocionam enquanto falam; cada ação secundária deve ser um indicador do estado interno do personagem.
Relacionado: Os melhores tablets de desenho para artistas digitais
9. Retardar e desacelerar
Este princípio se refere à tendência histórica dos animadores de 'reunir' seu trabalho em torno de cada quadro-chave pré-desenhado, se utilizarem tal abordagem. Em essência, mais quadros são desenhados em torno desses quadros-chave do que mais entre eles, o que faz duas coisas para o público.
Primeiro, ele enfatiza cada quadro-chave visualmente, pois mais tempo é gasto na transição de entrada e saída dessas poses chave do que na transição entre elas. Em segundo lugar, reduz o tempo que o público fica esperando entre esses momentos muito mais narrativamente significativos no tempo.
O que as pessoas realmente querem ver são todas as coisas estranhas que pontuam essas breves calmarias passadas viajando de uma cena a outra.
driver controlador xbox one para mac
10. Desenho Sólido
Será difícil para a vanguarda entre nós ouvir, mas sua habilidade técnica como artista desempenhará um papel significativo na eficácia com que você consegue transmitir a ação na tela.
Aumentar a perspectiva, encurtar e até mesmo os princípios da geometria básica mantêm cada corpo diegético sólido como uma rocha e completamente consistente quadro a quadro (quando seus personagens não estão muito ocupados comprimindo e alongando, é claro).
Relacionado: Ferramentas e serviços essenciais para ilustradores
11. Exagero
Por que as pessoas gostam de desenhos animados? O que torna o meio mais adequado para alguns tipos de histórias do que, digamos, live-action ou mesmo uma performance de palco?
Voltamo-nos para o mundo da animação quando nossa visão vai além do que pode ser feito fisicamente. Quando temos que desenhar tudo na cena de baixo para cima, acabamos com muita autoridade sobre como tudo acaba parecendo, sentindo e se desenrolando.
12. Apelação
Como devotos fervorosos da Escola de Pensamento Andrew Loomis, realmente acreditamos que essa parte vem de você. Seu nível de habilidade, sua experiência pessoal e suas paixões na vida terão um papel vital em como o pão sai do forno, por assim dizer.
O recurso pode ser difícil de quantificar; alguns afirmam que não é nada que você possa planejar. A maioria de nós simplesmente se joga contra a parede até que algo comece a grudar; não há vergonha no processo.
Sua arte irá surpreendê-lo e encantá-lo depois que você já estiver desenhando por algum tempo. Tudo o que você precisa fazer é tentar.
Animação para iniciantes: para onde vamos a partir daqui?
Eles dizem que todo artista cria 10.000 desenhos terríveis antes de realmente começar a fazer seu melhor trabalho. Nossa filosofia: quanto antes você começar, melhor para você vai acabar.
Os 12 pontos anteriores são todos um lugar incrível para um iniciante começar. A única maneira de se tornar um grande artista, no entanto, é praticar com zelo e de todo o coração todos os dias.
Um rabisco pela manhã? Uma sessão de desenho depois da escola ou do trabalho? Depois de pegar o jeito, pode ser meio difícil colocar o lápis de volta na mesa.
Compartilhado Compartilhado Tweet O email Como iniciar uma carreira em Motion DesignInteressado em se tornar um motion designer? Aprenda tudo o que você precisa saber para começar no campo.
Leia a seguir Tópicos relacionados- Criativo
- Tecnologia Explicada
- Animação por Computador
- Arte digital
- Desenhos animados
Emma Garofalo é uma escritora que mora atualmente em Pittsburgh, Pensilvânia. Quando não está labutando em sua mesa em busca de um amanhã melhor, ela geralmente pode ser encontrada atrás da câmera ou na cozinha. Criticamente aclamado. Desprezado universalmente.
Mais de Emma GarofaloAssine a nossa newsletter
Junte-se ao nosso boletim informativo para dicas de tecnologia, análises, e-books grátis e ofertas exclusivas!
Clique aqui para se inscrever